Richardson Hitchins: Der unsentdeckte Genie der amerikanischen Surrealismus

Richardson Hitchins: Ein Pionier der surrealistischen Fotografie

Richardson Hitchins (1906 – 1988) ist ein Name, der oft in Diskussionen über die Kunst des 20. Jahrhunderts, insbesondere im Bereich des Surrealismus, übersehen wurde. Trotz der Produktion eines bemerkenswert produktiven und intensiv persönlichen Werkes – hauptsächlich Fotografien – wurde er während seines Lebens weitgehend von der Mainstream-Kunstwelt vermieden. Eine genauere Betrachtung zeigt jedoch, dass Hitchins ein tiefgründig innovativer und einzigartig ausdrucksstarker Künstler war, dessen Beitrag zur surrealistischen Bewegung und zur experimentellen Fotografie schließlich die Anerkennung erhält, die er verdient. Dieser Artikel untersucht das Leben, Werk und den bleibenden Einfluss von Richardson Hitchins und erforscht seine besonderen Techniken, philosophischen Einflüsse und die Gründe für seine relative Unbekanntheit.

Frühes Leben und Einflüsse: Eine Hinwendung zum Abstrakt

Hitchins wurde 1906 in Chicago, Illinois, in einer Familie von Pädagogen geboren. Er studierte an der Art Institute of Chicago und konzentrierte sich zunächst auf traditionale Malerei und Zeichnung. Doch bereits in den 1930er Jahren hatte er zunehmendes Interesse an den aufkommenden Möglichkeiten der Fotografie und ihrem Potenzial, traumhafte Bilder einzufangen. Seine frühen Einflüsse waren vielfältig und reichten von der Poesie von T.S. Eliot und Ezra Pound bis zur visuellen Kunst von Giorgio de Chirico, dem Begründer der Metaphysikalischen Malerei, die stark surrealistische Denkweisen beeinflusste. De Chiricos Verwendung von erstickenden Kombinationen und verstörenden Perspektiven prägte Hitchins ästhetisches Verständnis maßgeblich. Außerdem war er von dem wachsamen Bereich der Psychoanalyse, insbesondere von der Arbeit von Sigmund Freud, tief beeindruckt, was sein Interesse an dem Unterbewusstsein und der Erforschung der menschlichen Psychologie durch seine Kunst befeuerte.

Techniken und Stil: Automatism und Fundobjekte

Hitchins entwickelte einen hochspezifischen fotografischen Stil, der durch mehrere Schlüsseltechniken gekennzeichnet ist. Er war ein engagierter Verfechter von Automatismus, einer surrealistischen Technik, die die bewusste Kontrolle unterdrückte und dem Unterbewusstsein erlaubte, den kreativen Prozess zu leiten. Oft arbeitete er ohne Kamera und skizzierte Ideen direkt auf fotografischem Papier oder erstellte ganze Bilder durch die zufällige Anordnung von Objekten. Er setzte häufig Fundobjekte – herumgelassene Gegenstände, Maschinenteile und alltägliches Schrott – ein und arrangierte sie in ungewöhnlichen Kompositionen. Seine Fotografien enthielten oft:

• Kontextuelle Vereinbarungen: Die platzierung unzusammenhängender Objekte oder Figuren auf unerwartete Weise, um verstörende oder traumhafte Szenen zu schaffen.
• Wiederholung: Die Wiederholung von Motiven oder Formen, um deren symbolische Bedeutung zu verstärken.
• Skalierungsvariationen: Die Manipulation der Größe von Objekten im Bildrahmen, um ein Gefühl von Unbehagen oder Desorientierung zu erzeugen.
• Dunkelheit und Schatten: Die Nutzung dramatischer Beleuchtung und tiefer Schatten, um eine surreale Atmosphäre zu verstärken. Demnach verwendeten einige Quellen eine Mehrfachbelichtung, um komplexe, überlagerte Bilder zu erstellen.

Statistiken zufolge produzierte Hitchins während seiner Karriere über 3.000 Negative, eine bemerkenswerte Produktionsmenge für die damalige Zeit. Er betonte die Bedeutung des Nachdenkens mit dem Auge anstelle der bloßen Dokumentation der Realität.

Wichtige Werke und Themen: Der Symbolismus der Maschine

Mehrere von Hitchins Fotografien stechen durch ihre eindrucksvolle Bildsprache und ihren reichen Symbolismus hervor. Werke wie ‘Industrielandschaft’ (1936) – ein düsteres Bild einer verlassenen Fabrik mit hohen Metallstrukturen – wurde zu einem Eckpfeiler seines Schaffens. Dieses Bild und viele andere erforschten die Themen Industrialisierung, Entfremdung und die entmenschlichenden Auswirkungen der modernen Technologie. Seine Faszination für Maschinen – insbesondere solche, die mit Industrie und Krieg verbunden sind – wurde zu einem wiederkehrenden Motiv in seiner Arbeit und spiegelte eine wachsende Besorgnis über die Auswirkungen der Technologie auf das menschliche Leben wider.

• ‘Die Maschine’ (1938): Ein akribisch komponiertes Bild mit einer entsorgten Schreibmaschine, die scheinbar in der Luft schwebt. Dieses Stück gilt als eines seiner ikonischsten Werke und stellt den Abbruch der Kommunikation und den Verlust von Bedeutung in einer mechanisierten Welt dar.
• ‘Schrott’ (1941): Eine scheinbar chaotische Ansammlung von Metallschrott und Entsorgungsgegenständen, die die Ängste des Krieges widerspiegeln.

Er schuf auch photographische Collagen, die Bilder und Text schichteten, um komplexe Erzählungen zu erzeugen. Seine Verwendung von Collagen spiegelte oft sein Interesse an Mythologie und Folklore wider.

Vermächtnis und Anerkennung: Eine verspätete Wertschätzung

Obwohl Hitchins bedeutende Beiträge zur surrealistischen Fotografie leistete, blieb er während seines Lebens weitgehend unbekannt. Er hatte Schwierigkeiten, in der Mainstream-Kunstwelt Akzeptanz zu finden, und seine Arbeit wurde selten ausgestellt oder veröffentlicht. Erst in den letzten Jahrzehnten wurde seine Kunst zunehmend für ihre Originalität, Innovation und tiefgründigen psychologischen Einblicke anerkannt. Eine Wiederbelebung des Interesses an der surrealistischen Fotografie, kombiniert mit akademischer Forschung und einer kritischen Neubewertung, hat zu einer wachsenden Wertschätzung von Hitchins einzigartiger Vision geführt. Heute werden seine Werke in den Sammlungen mehrerer Museen aufbewahrt, darunter das Museum of Modern Art (MoMA) in New York und das Art Institute of Chicago, wo er ursprünglich studierte. Darüber hinaus lässt sich sein Einfluss in der Arbeit späterer experimenteller Fotografen und Künstler sehen, die von seinem Engagement für Automatism und seiner Erforschung des Unterbewusstseins inspiriert waren. Es wird geschätzt, dass seit 2000 über 100 Einzelausstellungen seiner Arbeit stattgefunden haben, was ein Beweis für die wachsende Anerkennung seines Genies ist. Seine Geschichte dient als ergreifende Erinnerung an die oft übersehenen Figuren, die den Verlauf der Kunstgeschichte geprägt haben.